La création musicale peut épouser un grand nombre de genres différents, allant du rock à la musique classique, en passant par la musique de film mais aussi par la musique de jeu vidéo. On pourrait être tenté d’établir une échelle de valeurs entre ces différents genres, mais est-ce nécessaire puisque chacune de ces musiques a une fonction différente ? Ainsi lorsque l’on s’intéresse à la musique de jeu vidéo, on est très vite saisi par l’importance de son rôle dans le développement de cet art.

Au tout début des jeux d’arcade, qui étaient accessibles au public dès les années 1970, la musique de ces bornes de jeux était stockée sur des cassettes ou des disques. Cela n’était pas pratique car ces supports s’abîmaient vite à cause de leurs utilisations répétées, et cette musique ne pouvait que ponctuer les passages de niveau des jeux sans pour autant être en prise direct avec l’action du joueur.

Au milieu des années 1980, les jeux vidéo migrent sur des ordinateurs individuels (Commodore, Atari…). La musique devient peu à peu indissociable de la nature de chaque jeu, en soulignant les actions du joueur. Mais les techniques de programmation et les capacités de stockage des puces qui remplacent les supports analogiques restent très faibles et contraignent la création de ces musiques. Heureusement, la sortie de logiciels comme Ultimate Soundtracker a simplifié l’incrémentation de la musique dans les jeux vidéo à partir d’échantillons numérisés qui viennent compléter les programmes des puces électroniques. Enfin apparaît le support CD qui va révolutionner le jeu vidéo et sa musique grâce à sa capacité de stockage décuplée. Les musiques deviennent alors de plus en plus élaborées, tant sur le plan formel que sur le plan esthétique.

Pourtant dès le début, certaines créations musicales pour les jeux vidéo sont de véritables chefs-d’œuvres d’invention esthétique. S’il ne fallait parler que d’un compositeur, ce serait de Koji Kondo qui dès 1984 apporte à cette musique ses lettres noblesses. Le compositeur de Mario Bros., Zelda… a su avec brio inventer un genre musical malgré de nombreuses contraintes : l’orchestration n’était pas possible, les sons limités et les accords peu nombreux car ils occupaient trop d’espace de stockage. Et pourtant la musique de Koji Kondo crée une atmosphère d’une grande richesse suscitant l’émotion. Ainsi la musique de jeux vidéo, outre le fait qu’elle doit communiquer aux joueurs les informations nécessaires à l’action, permet aussi d’installer une ambiance qui habille l’esthétique visuelle du jeu.

Et surtout, la musique crée le lien affectif avec le joueur, en humanisant ce qui ne l’est pas. Il y a un processus d’anthropomorphisme qui se crée par la musique. Cette identification du joueur aux personnages du jeu est nécessaire pour qu’il y ait un sens à jouer ! L’émotion née de la musique crée alors une empathie très forte avec le monde du jeu. Koji Kondo l’avait très bien compris, ses musiques offrent des portes d’entrée vers un monde virtuel qui permettent une projection sensorielle. Ceux qui un jour ont joué à Zelda continuent trente ans après d’aimer sa musique. Finalement, les limites imposées au compositeur n’ont fait que renforcer son inventivité et l’ont amené vers une technique d’écriture allant à l’essentiel et donnant une réelle densité à chaque motif.

À notre époque, où le jeu vidéo est de plus en plus lié à l’industrie du cinéma par les franchises et les techniques échangées entre ces deux arts, la musique de ces jeux est moins caractérisée, moins personnelle, et se rapproche souvent des musiques de films.

Est-ce pour autant que ce genre musical a disparu ? Disons qu’il a essaimé… Certains artistes de la pop réutilisent dans leurs compositions ces sons synthétiques qui, comme des madeleines de Proust réactivent nos émotions passées.